Je considérais déjà les albums comme des entités à part entière. A l’instar de Victor Frankenstein qui a su insuffler une âme à sa créature, l’artiste met une partie de lui dans chaque création, et lui donne vie. Je touchais ce concept du doigt jusqu’à aujourd’hui ; je l’intègre parfaitement désormais.

Autant être clair dès le début, vous aurez énormément de mal à apprivoiser OtFoN. La bestiole est capricieuse, et les premières minutes seront éprouvantes. On peut qualifier le style de Totakeke de cérébral – rien n’est naturel, oubliez votre confort, chaque seconde la musique et le rythme s’accrochent à vous pour empêcher votre esprit de se reposer. On a tous besoin d’être un peu secoués de temps en temps.

On The First Of November tentera de vous en faire voir de toutes les couleurs, à grands renforts de superposition de couches sonores et de rythmes désarticulés. Elle crachera tout ce qu’elle peut – mécanisme de défense – pour vous faire fuir. Elle tentera même de vous tromper en se détournant par moments pour mieux vous sauter à la gorge quand vous pensez que l’orage est passé.

Je ne suis pas dupe de ce genre de comportement, et si vous êtes patient (et courageux), vous verrez assez vite la beauté qui se cache sous cette petite boule de haine.

Cela commencera par un manque d’assurance. Un cliquetis maladroit au détour d’un rythme tapageur. Trois pas manqués au beau milieu d’une course. Une fois le point faible repéré, elle ne vous fera plus peur. Et c’est une autre facette d’OtFoN qui apparaîtra : fragile, fière, implorante, résignée. Attachante, terriblement attachante.

Et les visites suivantes ne vous sembleront plus si difficiles.

Si vous n’avez pas peur de passer du temps à vous faire à ces sonorités capricieuses, je vous le recommande plus que chaudement. Sinon, je crains qu’il ne faille passer votre chemin. Mais essayez, essayez. Vous pourrez y trouver, en vrac, un orgue en manque d’attention, des cordes de piano flottant au dessus de votre tête, des robots à vapeur, des pas dans la neige, une serre pleine d’oiseaux métalliques, des grincements de chaînes, des horloges désaccordées.

Un décor de SF terrifiant et fascinant à la fois. Une totale réussite sur tous les plans.

Vous pouvez acheter Totakeke – On The First Of November sur la boutique en ligne de Tympanik, pour changer.

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All Seeing Eye, tel était le nom du voyage qui m’a ouvert à Klone. Sur son présentoir, son œil m’a appelé. J’ai écouté, une fois. Deux fois, pas bien sûr d’aimer. Trois fois, il m’a embarqué.

Voilà aujourd’hui qu’arrive Black Days. Je me méfie de cette tendance au « c’est l’album le plus noir qu’on ait jamais écrit », usé jusqu’à la moelle par nombre de groupes dans le grand monde du metal. Et après tout, c’est ce que le public veut. Mais non, Klone n’a pas usé de si grosses ficelles. (edit du 20/04 : ah, si. voir ici l’interview sur VS-Webzine)

Il aurait eu tort d’ailleurs, car selon moi, Black Days est bien moins sombre que son prédécesseur, n’en déplaise.

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Si vous connaissez par cœur All Seeing Eye, vous serez aussi surpris que moi. C’est que la nouvelle cuvée est bien moins étrange que la précédente. Moins dérangeante ? Moins originale ? C’est du moins ce que j’ai ressenti à la première écoute. J’attendais que l’album me happe littéralement dans un univers tordu et bariolé, j’en attendais peut-être beaucoup.

Ou je n’attendais pas ce qu’il fallait. Black Days est loin, très loin d’être décevant. Dès le départ, on croit apercevoir le spectre de Tool planer au dessus de la danse tribale Rite Of Passage – mais la vision s’estompe vite, et Yann reprend la main avec une violence toute Klonienne. Là où je n’attendais pas l’album, c’est que cette violence n’est pas mue par une quelconque colère, ou par ce cynisme grinçant qui m’attire habituellement, mais par un puissant désir de liberté. Tout faire éclater, tout envoyer balader, une force qu’incarne parfaitement Give Up The Rest ou Rain Bird.

Et tout va très vite. Quand ce ne sont pas les guitares qui zigzaguent, c’est la basse qui s’élève pour mieux dégringoler et fondre sur sa proie, la batterie qui pose, quadrille sans museler, donne l’élan. Les rôles ne sont pas clairs : tout le monde définit le rythme, chaque instrument indique la direction. Pas de double pédale à outrance ni de blast-beat dévastateur, la puissance du son et la cohérence du jeu suffit à ravager la moindre conviction. Il se passe tant de choses en si peu de temps qu’il est impossible à la première écoute de comprendre ce qui vient de se passer. Dense et puissant, tout du long.

Je pensais les atmosphères au clavier et autres instruments inhabituels disparues au profit de l’épaisseur des guitares. Erreur, elles y sont juste mieux intégrées, et apportent chacune leur couleur propre. C’en devient même un jeu : fermer les yeux, et laisser le premier plan nous imprégner si parfaitement qu’on peut se concentrer sur le liant, et l’apprécier à son tour comme un acteur à part entière.

Oui, les mélodies sont plus simples, peut-être plus évidentes. Mais la qualité d’écriture est toujours là, elle s’est juste employée à diriger son assurance vers un message différent. Klone alterne ainsi les huis-clos inquiétants et les vastes étendues désertiques avec habileté. La sublime Closed Season sert de charnière entre ces deux univers, changeante, imprévisible.

Sauvage est le maître mot de Black Days, semble-t-il.

› Ecouter Give Up The Rest et Army Of Me sur le Myspace de Klone
› Ecouter Black Days sur Deezer (le 17 mai)
› (A venir) Acheter Black Days via Klonosphere

Je commence à me sentir chez moi dans la maison Tympanik. Le label a déjà fait évoluer mes goûts musicaux grâce au sublime Oppidan d’Access To Arasaka, et c’est à Integral que revient la tâche de continuer de travail, et de confirmer l’impact du genre sur les esprits.

Je le fais rarement, considérant qu’un album est un tout dont les pistes ne sont là que pour simplifier l’accès à un endroit ou un autre de l’histoire… mais je vais écrire cette chronique de Rise par Integral piste par piste. Je pense ne rien perdre ce faisant. Tout est construit de manière à maintenir l’auditeur dans une brume sonore colorée.

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Digital Drops démarre lentement. Elle pourra décourager les impatients. Mais on finit vite par comprendre où l’on est, lorsque les rythmes imbriqués, entrecroisés, dialoguent en se faisant la courte échelle pour mieux repartir, pour mieux rebondir. Atmosphère mélancolique, crépusculaire. Nous y sommes. Le retour en arrière semble difficile.

Temporale est l’entrée de la caverne. Les rayons de soleil pénètrent encore par endroits et se frayent un chemin entre les pierres mauves. Le léger groove qui s’immisce ne gâche rien, ajoutant au décor des notes technologiques étonnamment bien intégrées.

Doors porte bien son nom. Pas uniquement parce que le rythme est essentiellement constitué de sons de portes grinçantes, métalliques, frappées, huilées, mais parce qu’il s’agit d’une des rares zones véritablement lumineuses de l’album. Comme si le choix qui s’impose à nous était source d’espoir. Une des rares notes organiques, également, puisqu’on peut y retrouver… un violon. Ou ce qui y ressemble, de longues plaintes sourdes et éthérées, suffisamment familières pour nous rassurer, suffisamment étranges pour introduire ce qui va suivre.

Distal nous ramène à l’obscurité. Une mélodie véritablement sublime, rayonnante malgré sa profondeur, cristalline, fantômatique. Les quelques cliquetis rythmiques ne sont là que pour nous inciter à marcher, à nous enfoncer encore dans ce réseau de cavernes étrangères.

Schlaflos continue dans la même veine, plus courte, plus rythmée aussi, plus étrange encore peut-être. Des voix résonnent, fragments de mots, échos, soupirs. Le temps s’écoule légèrement plus lentement, les secondes ne sont plus les mêmes.

Rise, titre éponyme, nous fait traverser une clairière. Comprenez : un fragment de ciel au milieu des roches. Quelques sons purement électroniques nous ramènent à une imagerie plus moderne, mais rien ne fait oublier les drôles de cliquetis minéraux. Le titre enchaîne directement sur l’interlude Samen, plus « bruyant », constitué de couches sonores empilées à faire pâlir d’envie l’archéologue qui sommeille en vous.

Reaktor se démarque par son rythme purement IDM, plus déstructuré, plus imprévisible. L’ensemble paraît plus dramatique aussi, plus sombre. Et ce ne sont pas les murmures alentours qui me contrediront.

Moonwalk se fait plus implacable. Notez comme le ton change, devient plus vindicatif ? Plus assuré peut-être. On s’empresse de remonter à la surface pour retrouver le soleil. Et dans le même temps, impossible d’oublier tout ce qu’on a traversé. Difficile de ne pas souhaiter revoir tous ces couloirs ciselés dans la pierre avec une maîtrise indéniable.

Back Here Alone. La boucle est bouclée, nous revoilà à la surface, contemplant le ciel, entre chien et loup. Les échos des boyaux rocheux nous parviennent encore, les gouttes d’eau retentissent dans les flaques, mais impossible de s’y tromper, c’est bien une lumière aveuglante qui nous accueille.

Et puis…

Comme pour nous contredire, Je Ne Trouve Pas La Sortie déboule, comme un épilogue. Ou une fin alternative. Entièrement jouée à la guitare, elle dénote totalement avec le reste du travail effectué, mais trouve malgré tout sa place. Étonnante et bienvenue. Solaire, bien réelle. Comme pour nous dire : « le monde que je viens de dérouler sous vos pas n’existe pas, mais vous pourrez malgré tout y retourner ».

Un album brillant, intelligent, sublime.

› Acheter Rise d’Integral sur le site du label Tympanik Audio (vous pourrez même écouter quelques extraits)
› Integral sur Myspace

(cliquez sur les images pour les voir en plus grand et dans leur environnement naturel, elles le méritent !)

Jour 1

Oppidan est un endroit étrange. Plutôt joli, d’ailleurs. A première vue, tous ses recoins se ressemblent, si bien qu’il est difficile de s’y retrouver. Ses méandres m’ont perdu, déjà. Une fois sorti, j’ignore si j’y reviendrai, malgré l’attrait que j’ai pu avoir pour ces reliefs tranchants et secs. Pourtant, tout est cohérent, pensé ; l’architecte des lieux n’a rien d’un manchot, et son habileté à travailler le moindre détail, la moindre texture force le respect. Access To Arasaka est bon, très bon, mais peut-être simplement pas à mon goût.

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Jour 2

J’y suis revenu. J’ignore pourquoi. Sans doute le souvenir de Ruin. A moins que ce ne soit celui de Sylvan Hesh. A vrai dire, la profondeur et l’étrangeté de cet univers baigné de lumière malgré lui me fascine. Les chemins peuvent sembler droits et monotones, mais quelque chose survient, un sursaut, un coup de vent, et tout se met en mouvement (Jody en est l’illustration parfaite).

Je vais rester là quelques jours.

Jour 3

Je parviens à peine à dresser une carte mentale des lieux. Bien obligé de laisser des marques par endroits pour m’aider à retrouver mon chemin. Je me sens bien ici, même les quelques averses paraissent reposantes. J’entends au loin des orages qui semblent ne pas vouloir se décider à venir par ici. Leur bruit sourd a quelque chose d’hypnotique.

Alien Landscape by StevenDavisPhoto

Demain, j’irai m’aventurer un peu plus loin.

Jour 4

Fascinant. J’ai beau tenter de m’en extraire, rien n’y fait. Oppidan se révèle, déploie ses vrombissements et répand ses lueurs sur mon esprit comme autant de racines. A première vue, tout est calme, comme au ralenti. Mais une puissance sourde couve sous la glace. Quelque chose de violent, latent, fascinant. Chaque endroit que je crois connaître finit par révéler son lot de vibrations étranges et attirantes. De l’épave d’un vaisseau écrasé aux formes végétales improbables, Oppidan se déroule, lentement, à celui qui sait attendre.

Jour 5

Il est plus que temps de vous y emmener. Embarquez, il y a de la place.

Un album à écouter avec les yeux.

› Écoute gratuite sur Deezer
› Acheter et commander l’album sur le site de Tympanik Audio
› Acheter l’album au format MP3 sur Amazon ou bien sur iTunes

Nombreux sont ceux qui se sont essayés au mélange des cultures en musique. Deux solutions pour y parvenir de façon honnête et intelligente : éviter systématiquement les clichés habituels de l’exotisme vu par un occidental, ou bien baigner dans les deux cultures. C’est la seconde solution qui a guidé la main d’Orphaned Land : une carrière et des goûts résolument tournés vers le metal et le rock progressif, et un arrière-plan culturel méditerranéen plus que présent.

Je sais, on ne dit que du bien de ce nouvel album. C’en est énervant. J’aurais aimé dénoter un peu dans le paysage. Mais voilà, The Neverending Way Of Orwarrior est encensé partout.

Probablement parce qu’il est d’une infinie complexité, et que chaque minute porte son lot de découvertes. Le genre de découvertes qui ne se manifestent qu’après une dizaine d’écoutes. Je vous mets au défi de réussir à créer une carte mentale de chaque piste en moins de deux mois (à raison d’une écoute par jour, minimum). Steven Wilson lui-même, qui s’est chargé des parties clavier et de la production de l’album, confesse n’avoir jamais produit d’album aussi complexe.

Parce que l’album est remarquablement bien construit également, de son introduction en forme de préface à sa conclusion aux allures d’explosion finale, précédée de l’immanquable calme avant la tempête. On se surprend à attendre chaque petit interlude – la douce voix de Shlomit Levi près du feu de camp au milieu du désert, un piano perdu au cœur de la Nouvelle Jérusalem -  pour mieux rebondir ensuite.

Parce que Kobi Fahri est magistral, que sa voix n’est capable que du meilleur, tant dans ses growls rocailleux, longs et tranchants que dans ses élans clairs, doux et déchirants. J’aime la dualité – elle est ici marquée, mais jamais surexploitée.

Parce que les mélodies orientales jouées à la guitare côtoient les mélodies rock 70′s jouées au saz turc, par le bassiste lui-même, ou au violon par l’orchestre oriental de Nazareth. Et parce que si vous aimez la guitare, vous aimerez The Warrior et ses 4 minutes de solo.

Parce que les deux soeurs The Path respirent la magie, il vous suffira d’écouter une fois Treading Through Darkness pour vous en convaincre (oui, je sais, j’ai honteusement sombré dans la subjectivité la plus totale).

Parce que vous rencontrerez peu de groupes ayant pour vocation de faire scander « Allah U Akbar » à un public israëlien et de faire chanter de la poésie juive à un public arabe. Si le concept de l’album, sur le thème de la réconciliation, peut paraître naïf, la réalisation et la provocation constante (et assez jouissive) orchestrée par le groupe (vous n’avez qu’à jeter un oeil sur l’artwork pour vous en convaincre) devrait vous rassurer un peu.

Parce que le responsable du rayon métal (si c’est bien lui qui s’occupe de ça) de la crèmerie près de chez moi (Fnac pour ne pas la nommer) a jugé la musique et le concept suffisamment intéressants pour commander l’album à l’étranger avant même sa sortie officielle en France. Et ça, c’est rare (et c’était la bonne surprise de la semaine, moi qui l’attendais depuis plusieurs mois.)

Pour toutes ces raisons, cliquez, cliquez pour écouter ce que tout ça peut donner. De la beauté transcendante de Treading Through Darkness à la brutalité maîtrisée de Codeword : Uprising, en passant par les prières islamiques de Disciples Of The Sacred Oath II scandées avec une ferveur à faire pâlir tous les Muezzin, ou la douceur incrédule de M I ? …

Je risque fort de passer encore The Neverending Way Of Orwarrior dans ma platine d’ici quelques années. Pourquoi pas vous ?

J’ai découvert mon attirance pour l’IDM (comprenez : Intelligent Dance Music – je ne vois pas ce qu’elle a de dansant, ni d’intelligent d’ailleurs, dans la mesure où il s’agit plus d’émotion que de réflexion) il y a quelques années, grâce à un prêt totalement intéressé (un autre adepte du prosélytisme musical – tremblez, nous sommes légions) de l’album drukqs d’Aphex Twin. Depuis, je n’y étais jamais vraiment retourné.

C’est le label Tympanik, et son lot d’artistes tous plus timbrés les uns que les autres, qui est venu frapper à ma porte. Autant de noms qui chez moi évoquent une musique cérébrale, ambiante et nerveuse à la fois, colorée, travaillée, de la première seconde à la toute dernière minute. Access to Araska et Aphorism, leurs rythmiques sèches et leurs mélodies aériennes,  Keef Baker également, plus tribal mais tout aussi éthéré, sont présents sur Emerging Organisms, troisième du nom. Mon avis sur le second volet avait été positif, mais peut-être trop hétéroclite à mon goût.

Cet essai-là passe clairement la vitesse supérieure.

Emerging Organisms vol.3 est construit, comme pourrait l’être un album. Cohérent dans ses choix, et excitant dans les invités de marque qu’il comprend : le noir et étrangissime Empusae (l’une des deux moitiés de Tzolk’in), le mélancolique Detritus, l’évanescent Tapage, entre autres Candle Nine, Millipede ou Raoul Sinier, qui ne vous évoqueront probablement rien.

Qu’importe, c’est justement la raison d’être de cette compilation de titres.

Lancer Emerging Organisms vol.3, c’est ouvrir une porte qui, à première vue, ne donne que sur une étendue vide et vertigineuse. Libre à vous de la franchir ou non. Il y fait froid, c’est un fait. La lumière côtoie l’obscurité, si bien qu’on ne sait finalement plus trop où l’on se trouve.

Plusieurs kilomètres au dessus du sol, c’est certain.

Plusieurs kilomètres au dessus des têtes, en tout cas.

Qu’ai-je à y redire ? Peut-être une volonté, bien que discrète, de parfois vouloir imiter des sonorités organiques – violons, guitares, et même orchestres entiers – à l’aide de synthétiseurs. Cela saute aux oreilles. Et l’intérêt de la musique électronique devrait, à mon sens, résider dans l’exploration de nouvelles sonorités.

Oh, c’est bien peu de choses. Quelques minutes qui, finalement, ont leur place. Quelques surprises aussi, des influences qu’on ne s’attendait pas à trouver dans ce genre de musique. Des rythmes plus variés que sur le précédent opus, également.

Dernier point qui vous paraîtra peut-être futile mais qui contribue à cet aspect brillant, étrange et déstructuré de la compilation : les titres. Coal Cage et Hard Boiled Wonderland côtoient des dénominations aussi vagues que 071123, Rand VA, Sig/Int ou Untitled 10, entre deux phrases plus évocatrices, de Jelly Battleship à I Only Miss You When You Are Here (je vous laisse méditer à celui-ci), en passant par un sublime We Eat The Sun, dont les notes oscillent entre électronique industrielle et doom metal vibrant de bien belle facture, aussi inopiné qu’efficace.

Vous n’êtes pas coutumiers du genre ? Je vous suggère une écoute plus approfondie. Chaque minute a son lot de découvertes et de détails.

Et si vous n’y trouvez pas au moins une mélodie qui vous remue les tripes, je mange mes moufles.

Vous pouvez acheter Emerging Organisms vol.3 sur le site de Tympanik. Allez-y, ils sont sympa !

Ah, un dernier message pour les amoureux de science-fiction : jetez-vous dessus.

These Woods Breathe Evil. Si vous ne vous sentez pas l’âme sylvestre, passer votre chemin. Si les bois hivernaux ne vous effraient pas, entrez donc.

Je vais tenter de parler de New Moon sans vous gâcher le plaisir d’imaginer ce que bon vous semble à son écoute. Et c’est très difficile, pour un album aussi visuel. Et si je n’en parlais pas du tout ? Je vais vous laisser l’écouter. Cliquez donc sur la pochette (ou ici, tiens) ! (Deezer powered)

Il n’est pas facile à appréhender, vous serez prévenus. Le métal rebute. « L’impression de nager à contre-courant dans un torrent de vomi ». Pourquoi nager contre quand on peut se laisser porter? Je dois bien admettre que je me complais dans toute cette mélasse rocailleuse. Justement parce que j’y suis tranquille. Un peu seul, parfois (sinon, vous pensez bien que je ne vous ferai rien écouter).

Ah, si, vous aimerez sûrement Falling World, sa voix claire et sa mélodie plus mélancolique qu’agressive. Ou encore New Moon, la bien nommée. Deux portes d’entrées, pas une de plus. Pour les courageux, vous pouvez escalader les murs que sont These Woods Breathe Evil ou Weight Of The Dead, mais je ne serai plus dessous pour vous rattraper. Je suis déjà loin. J’ai absorbé l’album dans son ensemble, et malgré tout je suis loin d’avoir exploré tous ses recoins. J’y avais déjà ma place avant de le connaître, je crois.

Tout ça pour dire…? Ah oui, écoutez-le. Parce que Swallow The Sun étire les minutes et les secondes, noircit le monde alentours pour ne plus laisser dans le champ de vision qu’un tableau maîtrisé et ouvragé, travaillé, tissé avec délicatesse et précision.

Ne vous laissez pas effrayer par la trame brumeuse qui le recouvre, plongez. Et ressortez quand bon vous semble. Mais je vous préviens : le moindre détail, la moindre étincelle qui attirera votre regard sera fatale. Et vous y reviendrez.

Acheter New Moon, c’est par ici, sur la boutique officielle de Swallow the Sun
Ecouter New moon sur Deezer, c’est par là.

J’y retourne, on se retrouve là bas ?

Catatonie, n.f : syndrome schizophrénique se manifestant par la catalepsie et un repli complet de l’individu. Les signes suivants y sont généralement associés : négativisme, passivité, perte de l’initiative motrice.

Pour ce qui est de la perte d’initiative motrice et la passivité, on repassera. Parce que si les sentiments véhiculés par Jonas Renske et sa bande sont loin d’être positifs, la musique, elle, est en perpétuel mouvement.

Mais je brûle les étapes.

C’est le premier album de Katatonia auquel j’accroche. Le premier que j’ai réellement pris la peine d’écouter. En voilà une bien belle transition pour vous inciter à toujours revenir sur vos premières impressions. Je m’égare encore.

Night Is the New Day démarre sur un hurlement. Au sens figuré, j’entends – le genre de hurlement intérieur qui fait vibrer la moindre cellule, la moindre métatarse, la moindre veine. Montez le son. Suffisamment pour entendre tout le travail réalisé sur la production et le jeu de batterie (mais voilà que je me repasse les vingt premières secondes en boucle). De contrepieds en textures sourdes et épaisses, nous voilà en moins d’une minute plongés dans ce tourbillon d’émotions refoulées et contradictoires qu’est l’univers de Katatonia.

Il est vrai : je ne conçois pas la musique sans intensité. Sonore d’une part, émotionnelle de l’autre ; il est d’autant plus difficile d’exprimer de la subtilité dans ce genre musical. Pari gagné pour Katatonia, qui n’est pas étranger à cet exercice. Même dans des élans de quasi-brutalité, ils parviennent à insuffler une urgence permanente à leur musique. Difficile de reprendre son souffle – qu’importe, continuons.

Difficile de mettre à jour une baisse de régime dans cet équilibre précaire. Ou plutôt, si, j’en trouve. Des tas. Mais à chaque fois que je pense savoir quelle chanson j’aime le moins, elle me présente un profil que je n’avais pas perçu jusque là. J’aime les facettes. Même la lente et sombre Inheritance, que j’avais relégué au rang de quasi-interlude, m’a montré un visage des plus étonnants au fil des écoutes.

Et je vous met au défi, vous qui aimez déjà, de ne pas avoir envie de revenir au début de l’album après avoir pris de plein fouet la sublime Departer qui joue à merveille son rôle de conclusion. Ne serait-ce que pour sentir à nouveau la nuit glaciale de Nephilim couler entre vos deux oreilles.

A mettre entre toutes les mains, des métal-sceptiques aux amateurs de sensations. Car si beaucoup posent la guitare saturée comme moyen d’en mettre plein les esgourdes, Katatonia, à l’instar de beaucoup de ses collègues – mais j’y reviendrai dans une chronique ultérieure – utilise le genre pour donner corps aux émotions. Et ça, c’est beau.

Je n’ai pas l’habitude de reposer mes oreilles. Plus exactement, même si mon esprit réclame de la mélodie et des couleurs, mon corps réclame du rythme, si bien que celui-ci est devenu un critère prépondérant dans mon exploration musicale. La folk, avec ses rythmes discrets et ses instrumentations acoustiques, n’a jamais fait partie de mon panel de mines d’or potentielles.

Mais dans la vie, on n’est jamais à l’abri d’une surprise. Et généralement, soit on se force à écouter et réécouter pour capter toute la subtilité d’un album, soit ledit album arrive pile au bon moment. C’est le cas du tout premier EP de Fairchild, ses feuilles mortes et son atmosphère crépusculaire.

Difficile de chroniquer un genre qu’on ne connaît pas. Je serais bien incapable de comparer Fairchild à un autre groupe évoluant dans les mêmes sphères. En revanche, je sais ce qui, pour moi, a fait la différence : une inspiration quasi-Burtonienne. Et les arrangements, aussi, un peu. J’ai pourtant dû m’y reprendre à deux fois ; j’ai pu trouver Memories trop enjouée, ses accents pop ont bien failli me rebuter. Mais j’ai fini par y déceler un subtil décalage, des teintes nocturnes qui envahissent chaque recoin de l’album.

Pour les sceptiques, amateurs de magie noire-mais-pas-trop, J et son orgue de barbarie ouvrent les hostilités. Pas brutalement, tout commence très en douceur avec la jolie voix naïve d’Alix. Puis la chanson se lève, et répand la nuit sur nos esgourdes. Et si quelques lumières percent par moment l’obscurité, ce ne sont que par petites touches de couleur, de lueurs et de feux follets.

Il en est ainsi du reste de l’album, qui déroule une subtile atmosphère de sous-bois automnal (et je ne dis pas du tout ça par rapport à la pochette).

Fairchild ne propose hélas qu’un EP, et la lecture cesse après 25 minutes d’une noire douceur.

Alors pour la suite ? Pour que mon bonheur soit complet, j’aurais bien suggéré des constructions plus longues, histoire de mettre également en avant les superbes instrumentations, les arrangements riches et fouillés. Mais on me rétorquera que mon amour pour la musique progressive prend le pas sur mon objectivité. Malgré tout, j’aurais souhaité entendre plus longtemps le piano-horloge de Blue Clouds, ou les longues plaintes cristallines de Night Calls. Construire la musique selon ce qu’on souhaite exprimer, en somme, plutôt que de se cantonner aux structures de quatre minutes, par habitude. A moins que ce ne soit un choix…

Laissons cela de côté ; les couleurs et les émotions de cette demi-heure de calme valent à elles seules le détour. Je vous laisse en juger !

Myspace : www.myspace.com/ourfairchild

Et aussi sur Facebook.

Et merci à Charles pour m’avoir autorisé à mettre J en écoute !

Infamie, poussière, addiction, douleur et cendres. Ainsi commence la première approche de ce quatrième album de Ram-Zet.

Seth, Ramseth, Zet, l’homme aux cent noms qui se cache derrière les mélodies de Neutralized, a frappé un coup de plus dans une fourmilière moribonde. Un soupçon de neo-metal pour des riffs toujours plus ravageurs, une pointe de black pour les tonalités acides et dérangées de l’homme derrière le masque, le tout mijotant dans un chaudron bouillonnant de sadisme. Âmes sensibles s’abstenir, peut-être, car ceci est à la limite du divertissement.

Le groupe a mal choisi son imagerie, à mon sens. Les photos montrent des chaînes rouillées, de longs couloirs métalliques et de vieilles machineries d’usine…soit. Après tout, l’introduction de To Ashes ressemble furieusement au thème de Silent Hill. Pourtant, ce violon ivre m’évoque bien plus de cimetières, de chauves souris et de squelettes que de boulons ou de rouages. Erreur de parcours ou différence d’interprétation ? Je vous laisse juger.

Toujours est-il que l’atmosphère ici est unique. Loin des gimmicks habituels du metal, Ram-Zet fait dans le chamboulement. On secoue les neurones, on remue les idées reçues à grand fracas d’orgue (instrument qui, dans le metal, est rarement bien exploité – ici pas de son strident « histoire de » en arrière plan, mais une vraie composition pour orgue… jouée au synthé, certes), de cordes grattées ravageuses sur fond de clavecin et de voix grinçantes. Une classe jamais égalée dans l’histoire du groupe, tant dans les arrangements que dans l’écriture. Une classe rarement égalée dans le style, d’ailleurs.

Tout ici est beau. De la violence des accès de cynisme de Sfinx, le double (ou le reflet) féminin de Zet, avec sa voix de petite fille gâtée vicieuse, aux passages acoustiques plus reposants et à leurs nappes électroniques métalliques, l’univers de Ram-Zet est unique. Par les images qui crée dans la tête, et par son écriture, à la fois directe et subtile. Et lorsque Zet abandonne ses chuintements pour libérer sa voix claire, accompagnée d’un piano galopant, c’est tout l’univers qui bascule d’un cynisme froid et grimaçant à une tristesse palpable, à peine maîtrisée.

Please, join the party in my nice little dungeon
I serve sweet toxic cookies
And some blood from my friend
Extatic, fanatic, an addict to all that you wanna do
Dominate, create, ruins of failure

C’est un peu tout ça, Ram-Zet. Une face morbide et pleinement assumée, emportée par des hordes de fantômes blafards et moqueurs ; et une autre attirante, mélancolique, dangereuse. Chat veut jouer, mais ses griffes ne sont jamais bien loin.

A écouter, et s’approprier avec précaution.

Ecouter Ram-Zet sur leur Myspace
Acheter Ram-Zet – Neutralized sur Ascendance Records